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以简约主义为基础的音乐作曲技术探究

作者:社会科学
出处:www.lunrr.com
时间:2019-10-02

极简音乐是世界上比较有影响力的音乐学校。在美国,尽管约翰凯奇(John Cage),拉蒙特扬(Lamont Young)等人在上世纪中叶的作品中表现出极简主义的倾向,但这种音乐在美学方面受到“波潮”和极简主义的影响。艺术。但是,通常认为1960年代最具代表性的作品是Lamont Young的《TrioFor Strings》和Terry。莱利的《In C》。由此可见,极简主义音乐作为一种重要流派,不仅在美国产生和形成,而且主要的代表人物是美国作曲家。因此,在美国对该音乐学校的思想,作曲技巧,诞生和发展进行了更多的研究。在中国,尽管极简主义音乐早已为中国人民所熟知,或多或少地影响了国内作曲家的创作,但极简主义作曲音乐技术的分析和研究可以说是很少见的。以下作者将结合多年的实践经验,并通过本文详细阐述基于极简主义的音乐创作技术。

一,连续音技术

在极简主义音乐的发展中,Lamont Young被视为“极简主义音乐之父”,这给了他如此崇高的地位,主要是因为他于1958年创建了《弦乐三重奏》,这被认为是极简主义音乐的开端。徽标,虽然这项工作是连续声音编程技术的良好应用。

《弦乐三重奏》由于这项工作的开拓性,在洛杉矶的拉蒙扬(Lamont Young)进行的工作导致大多数教授,包括他自己的老师,以及在加州大学伯克利分校的表演遭到反对同学外面几乎没有其他观众,并且它的老师受到严厉指责。但是,正是这项工作成为了极简音乐创作时代的大门。作品基于长篇幅的声音和休息,因此也被认为是该类型的定义。

《弦乐三重奏》在流派方面,作曲家总共花了58分钟,选择了用于音调音乐的传统流派,即弦乐三重奏。在结构方面,该单个机芯显示奏鸣曲结构。在音乐结构分析中,作曲家建议听众听奏鸣曲结构的全名,并强调作品包含古典主义,并且从表达,扩展到再生产的结构上构想创作过程。显然,创作者通过这项工作反映了对序列主义音乐复杂性的反对。

从高音部分开始,《弦乐三重奏》汲取了音序音乐的精髓,所有音高均源自12音序列,并根据“梦幻和弦”分为两音,三音和四音组。 ”组织。以下是这项工作的创造性特征的摘要。

作品中的所有演示部分总共包含四个声音组,即:#C-D-bE; E-F-#F-B; C--G。如果按12个半音的顺序排列它们,则可以更清楚地看到音高结构。 Lamont Young在这项工作中使用的间隔的组合很好地局限于二阶间隔,纯第五度间隔和某些范围转置,并且再次阻止了主要的第三间隔的出现。另外,作品以三音组为开头,其中高音材料是:#C首先出现在中提琴部分,然后bE出现在小提琴部分,最后D出现在大提琴部分。声音组之间的连接标记有一个小结,作曲者将纹理除以其余部分以发挥功能效果。其余符号一方面突出了声音组的存在,另一方面突出了独立的结构因素。

扩展通常被称为“长期变异发展”,并且呈现中出现的序列也被划分并呈现为多样性的“梦幻弦”。应当注意的是,划分的序列组仍然与表示单位相同,它是大小的两倍,纯五度和一些间隔转置。

在呈现部分的第一声音组A中,上声音部分bE声音和中声音部分#C声音形成第二度间隔,并且低音调D音和中声音部分#C声音形成a。七度间隔大。第三组B的上部bA和中间部分bB形成小的第七间隔。

对于音调问题,作者认为,尽管作品不是以C开头,但以C结尾,因此作品属于C。

在演奏方面,作曲家还明确规定不得使用和弦,这会使音色变得简单。另外,在转换弓的方向上要谨慎,尽量保持连续声音不被割断。

二,模块重复布置技术

以作品《C》为例,该作品被视为极简主义音乐的杰作之一,享有这种地位,主要是因为《C》提供了基于重复模式的音乐结构。

从这项工作的得分来看,频谱的仅一页包含53个模块,从音乐资料的角度反映了简约音乐的简短特征。音乐播放方法从播放高八度音阶C开始,然后其他播放器可以从第一个声音中自由选择输入时间。每个玩家在进入下一个声音模式之前都重复自己的模式。最后,在每个播放器进入最后一个乐段之后,音乐终止。该性能的结果是:重复形成相同的声音模式和重复形成不同的声音模式会产生精致的“ Khanom纹理”和多层节奏。

《C》适用于任何数量的乐器,因此对编排没有特殊要求。以前,这项工作通常被认为是最理想的表演者,但目前被认为是最成功的10至20人。

这部作品的高音主要集中在中央C以上的八度音阶,但也有一些例外。每一个八度音阶都有可能变换,所有可能的排列都是不受限制的。即使动机在乐谱中有明确的定义,作曲家也允许演奏者按照自己的想象进行任何形式的变奏。尽管很少有人在实际演出中使用这种“特权”,但正如作曲家所说,这种“特权”为低音演奏者演奏快速的动机提供了极大的便利,他们可以作为无人机效果来演奏。并不是所有的乐器都有这样的动机。作曲家的原创性意见是:快速动机适用于键盘和打击乐器,旋律动机适用于管乐器。演出开始时,表演者们用乐器演奏,但从那以后,他们受到了印度人声的影响。作曲家加入了声乐部分,演奏者可以使用他喜欢的所有元音和辅音,打击乐器也允许节奏被敲打。

钢琴演奏完c音后,每个演奏者都会根据自己的时间和一定的动机进入,并在下一动机之前任意重复。当玩家需要暂停时,他必须处于动机的交叉点,并且永远不要停止在相同的动机重复。作曲家支持播放器定期重复。重复同样的动机,重复八次,重复四次,重复八次。作曲家也鼓励表演者自由演奏,不要总想着与其他演奏者沟通,虽然他不希望在演奏中有多个表演者,但希望在整个演奏过程中出现1到2次。独奏的声音被设计成一种乐队形式,每一部分都会进行一场秘密的比赛。

根据作曲家的要求,演奏时间应控制在45分钟到90分钟之间,具体取决于个人演奏者和乐队的规模。

第三,相变技术

此技术是史蒂夫赖希(Steve Reich)对极简音乐的主要贡献。他已尝试过多次将相变技术应用于磁带音乐中的音乐创作,以实现变化过程的听觉效果。此结果完全反映在《钢琴相位》和《小提琴相位》中。

《钢琴相位》是为两架钢琴创建的,音乐为三段,并且音乐始于两个演奏者一起演奏。基本单元的第一部分主要由E,#F,B,#C和D组成,充分反映了左手白键和右手黑键的交点形成的对抗。作为由12个16音符组成的旋律模式,它可以分为由三个声音组组成的两个上,下声层,它们以纯四度分开,这在听觉上非常明显。

工作第二部分的基本单元是基本单元第一部分的变体。音符的数量也从原来的12个减少到了现在的8个。高音中增加了声音,#F和#C已被丢弃。声音模式中使用了黑色按键音,E,A,B,D4白色按键音。基本单元的第一部分和第二部分的最后四个声音成为作品第三部分的基本单元。

从相变的第一部分可以看出,两个部分的水平展开取决于基本单位的重复,但是由于音符的不同组合,它们之间的垂直关系表示为音符各部分之间的连续位移。点。统一的因素是图案的重复,变化的因素是速度的差异。

总而言之,二十世纪是人类社会快速发展的重要时期,带来了人们生活多样性的变化。其中,音乐在这一时期更加多元化和广泛,各种文化意识在这里交融,更好地诠释了现代音乐深度融合的趋势。这种趋势体现在音乐领域。多样性,以及美学概念和音乐概念的不断更新。尽管在这一时期没有比较大的音乐流派,但是在这种共同的发展形势下,人们的审美观不断地与时俱进,与时俱进,极简主义音乐与我们同在。最接近的音乐流派之一

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